Jérémie Leroi : animateur d’atelier et de stage de manga

Publié le 9 mai 2020 par Pion Denise
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Dès lors qu’on parle du Japon, la première chose à laquelle on pense c’est le manga. En effet, c’est dans ce pays qu’est né le « manga ». Mais pour autant, il n’est pas nécessaire de quitter l’Hexagone pour apprendre cet art. Aujourd’hui, grâce à l’aide de Jérémie Leroi on peut apprendre le manga en France.

Né en 1978, Jérémie Leroi dans sa jeunesse n’avait rien d’un dessinateur. D’ailleurs, c’est presque par hasard s’il s’est découvert sa passion pour le manga, laquelle lui a donné envie de suivre des études de japonais à Paris. Mais pour autant, cette époque n’a pas encore réveillé sa passion pour le manga.

Ce ne sera qu’en 2009, alors qu’il était amené à animer des cours des stages de manga à l’Espace Japon qu’il a découvert que c’était le métier qu’il voulait faire. Depuis, Jérémie Leroi a fait des cours de manga son activité principale. Il a décidé de s’envoler de ses propres ailes en 2016 en créant Ateliers Manga. En parallèle, Jérémie Leroi est aussi magicien.

 

Comment trouvez-vous l’inspiration pour vos dessins ? Quelles sont vos astuces ?

 

Je n’aime pas beaucoup parler de moi au quotidien, mais mes histoires et mes dessins sont une extension de mes pensées, mes envies. Impossible de séparer l’un de l’autre.

En rencontrant des gens et en se nourrissant de livres, de films, de musique ou de séries, difficile de ne pas avoir de nouvelles idées chaque jour. Cela dit, l’imagination est aussi un muscle. Il faut parfois tout simplement se mettre au boulot et chercher à explorer de nouvelles pistes ou de nouvelles idées.

Même si l’inspiration est là, il faut sans cesse travailler cette matière première pour lui donner vie. Si possible de façon claire et lisible.

En gros, une BD ne se fait pas en « cueillant » une idée et en la posant sur sa feuille. Il faut apprendre à la cuisiner et à la présenter. Je ne me lasse pas de constater à quel point la création en BD et la cuisine sont semblables (mais je regarde peut-être trop Top Chef ?).

Bref, pas d’astuces à part rester l’esprit ouvert et curieux.

 

 

Comment choisissez-vous vos équipements de dessin ? Quelles sont vos marques favorites ?

 

Pour continuer à filer la métaphore culinaire, tout comme on ne coupera pas tous les ingrédients d’un plat avec le même couteau, on essaie d’adapter son matériel de dessin à ce qu’on a dessiné !

Pour le choisir, c’est assez simple : je teste tout et je reste ouvert aux suggestions de mes collègues ! Toutes les marques de feutre, de plume, de pinceau… il s’agit de trouver celui qui me convient le mieux en fonction de ce que j’ai à réaliser et de ses contraintes (de temps, de format, etc.).

Au fil du temps on apprend à connaître son équipement et ce qu’il peut vous aider à réaliser.

Je n’ai pas de marque favorite même si j’aime beaucoup les pinceaux de chez Winsor et Newton et les stylos-feutres Rotring Tikky Graphic.

Ha, si : j’adore l’aquarelle et les crayons de couleur, mais les Japonais sont très friands de feutres à alcool (toujours pour la couleur donc). Je n’utilise que des Copic Sketch (la Rolls-Royce de sa catégorie) et des Ergo Pro (une marque récente, mais d’excellentes qualités et à un prix abordable, ce qui ne gâche rien). 

Le matériel de dessin made in Japan est presque toujours d’excellente qualité (les Japonais font preuve d’une inventivité sidérante même pour un simple crayon ou une gomme !), mais à un prix souvent rédhibitoire… et puis c’est souvent un peu gadget.

 

 

Quelles sont les astuces à maitriser pour progresser en dessin ? Quelles habitudes sont à développer ?

 

À part venir à nos cours vous voulez dire ?

Blague à part, il faut dessiner, dessiner et encore dessiner. Et varier les plaisirs en ne faisant pas toujours la même chose. Savoir dessiner un guerrier vampire à la perfection c’est bien, mais à quoi cela sert-il si l’on ne sait pas dessiner son château, un gobelin ou une belle princesse ?

Faire des croquis d’après nature est aussi une excellente école. Dessiner des amis, des gens dans le métro ou un beau paysage est extrêmement formateur. On en apprend beaucoup sur l’anatomie ou la perspective par exemple.

 

 

Quelles sont les différentes étapes pour concevoir son propre manga ? En quoi consiste chaque étape ?

 

On commence bien sûr par créer son histoire et ses personnages. Il est essentiel de ne pas que se concentrer sur la création graphique de ses personnages et d’explorer leur histoire ainsi que leur psychologie. Plus votre personnage est fouillé, plus il sera facile à mettre en scène.

Une fois le scénario fini, on passe à une étape méconnue, mais essentielle : le storyboard (nemu en japonais ou découpage en bon français). C’est au storyboard que l’on organise ses cases sur la page. Leur enchaînement et mise en scène dans chacune des cases est primordial.

Un storyboard peut être très simple au niveau graphique (on esquisse chaque case), mais demande beaucoup de réflexion. Où placer chaque personnage dans chaque case ? Les bulles ? Le décor ?

Vous avez fait le plus gros du travail « souterrain » de votre manga une fois passées ces premières étapes. Il ne vous reste plus qu’à dessiner !

 

Le dessin d’une planche se divise en trois étapes :

– Le crayonné. Plus on dessine, plus ce dessin au crayon est simple. Chez certains auteurs c’est une esquisse très simple et rapide avant d’attaquer le gros morceau :

– L’encrage. On peut encrer son dessin de mille manières : à la plume (qui reste l’instrument de prédilection de la plupart des auteurs), au pinceau, au feutre ou même au stylo Bic ! Et parfois même en mélangeant toutes ces techniques…

– Les finitions. C’est le moment de faire ses aplats de noir, de corriger certains dessins à la peinture blanche avant de finir par le lettrage des bulles.

 

Un grand merci à Jérémie Leroi qui nous a donné quelques informations sur son activité de professeur de manga. Si vous avez aimé cet article et que vous souhaitez en savoir plus, n’hésitez pas à faire un tour sur son site ateliersmanga.fr !

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